Edvard Munch Biografie – Edvard Munch, ein norwegischer Maler und Grafiker, baute in seiner äußerst eindrucksvollen Behandlung psychologischer Themen auf einigen der zentralen Ideen der Symbolik des späten 19. Jahrhunderts auf, die einen bedeutenden Einfluss auf den deutschen Expressionismus im frühen 20. Jahrhundert hatten. Sein Werk The Scream oder The Cry kann als Darstellung zeitgenössischen spirituellen Leidens interpretiert werden.
Munch wurde in eine bürgerliche Familie hineingeboren, die an einer chronischen Krankheit litt. Seine Mutter starb, als er fünf war, seine älteste Schwester, als er 14 war, beide an Tuberkulose; Munch hielt das letztere Ereignis schließlich in seinem ersten Meisterwerk „Das kranke Kind“ fest. Munchs Vater und Bruder starben ebenfalls, als er noch jung war, und eine andere Schwester erkrankte an einer Geisteskrankheit.
„Krankheit, Wahnsinn und Tod“, wie er sagte, „waren die schwarzen Engel, die über meine Wiege wachten und mich mein ganzes Leben lang begleiteten.“Munch zeigte schon in jungen Jahren ein Gespür für das Zeichnen, erhielt jedoch wenig formelle Ausbildung. Ein wichtiger Faktor in seiner künstlerischen Entwicklung war die Kristiania Bohème, ein Kreis von Schriftstellern und Künstlern in Kristiania, wie Oslo damals hieß.
ihre Mitglieder glaubten an die freie Liebe und wandten sich allgemein gegen bürgerliche Engstirnigkeit. Einer der älteren Maler im Kreis, Christian Krohg, gab Munch Anleitung und Ermutigung.Munch wuchs bald über die vorherrschende naturalistische Ästhetik in Kristiania hinaus, teilweise als Ergebnis seiner Assimilation des französischen Impressionismus nach einer Reise nach Paris im Jahr 1889 und seines Kontakts ab etwa 1890 mit dem Werk der postimpressionistischen Maler Paul Gauguin und Henri de Toulouse-Lautrec .
In einigen seiner Gemälde aus dieser Zeit übernahm er die offenen Pinselstriche der Impressionisten, aber Gauguins Verwendung der Begrenzungslinie sollte sich als sympathischer für ihn erweisen, ebenso wie der Ehrgeiz der Synthetisten, über die Darstellung der äußeren Natur hinauszugehen und ihr eine Form zu geben eine innere Vision. Sein Freund, der dänische Dichter Emanuel Goldstein,
machte ihn in dieser Zeit mit der französischen dekadenten symbolistischen Poesie bekannt, die ihm half, eine neue Kunstphilosophie zu formulieren, die von einer pantheistischen Auffassung von Sexualität durchdrungen war. Munchs eigener zutiefst origineller Stil kristallisierte sich um 1892 heraus. Die fließende, gewundene Verwendung von Linien in seinen neuen Gemälden ähnelte der des zeitgenössischen Jugendstils, aber Munch verwendete Linien nicht als Dekoration, sondern als Vehikel für tiefgreifende psychologische Offenbarung.
Das empörte Unverständnis der norwegischen Kritiker für seine Arbeit wurde von ihren Kollegen in Berlin wiederholt, als Munch dort 1892 auf Einladung des Verbandes Berliner Künstler eine große Anzahl seiner Gemälde ausstellte. Die heftigen Emotionen und die unkonventionelle Bildsprache seiner Gemälde, insbesondere ihre gewagt offenen Darstellungen von Sexualität, lösten eine erbitterte Kontroverse aus. Kritiker ärgerten sich auch über seine innovative Technik, die den meisten unvollendet erschien.
Der Skandal trug jedoch dazu bei, seinen Namen in ganz Deutschland bekannt zu machen, und von dort verbreitete sich sein Ruf weiter. Munch lebte 1892–95 hauptsächlich in Berlin und dann 1896–97 in Paris und zog weiterhin viel um, bis er sich 1910 in Norwegen niederließ. Das Herzstück von Munchs Schaffen ist seine Gemäldefolge über Liebe und Tod. Seinen ursprünglichen Kern bildeten sechs 1893 präsentierte Stücke, und die Serie war bis zu ihrer ursprünglichen Ausstellung unter dem Titel Fries of Life 1902 in der Berliner Secession auf 22 Werke angewachsen.
Munch veränderte diese Gemälde häufig, wenn einer hatte um verkauft zu werden, würde er eine andere Version davon machen. So gibt es in vielen Situationen zahlreiche gemalte Versionen und Drucke, die auf demselben Bild basieren. Obwohl der Fries weitgehend auf persönliche Erfahrungen zurückgreift, sind seine Themen universell: Es geht nicht um bestimmte Männer oder Frauen, sondern um Mann und Frau im Allgemeinen und um die menschliche Erfahrung der immensen elementaren Elemente der Natur.
In der Reihenfolge betrachtet, entsteht eine zugrunde liegende Erzählung vom Erwachen, Erblühen und Vergehen der Liebe, gefolgt von Verzweiflung und Tod.Das Erwachen der Liebe wird in The Voice illustriert, wo in einer Sommernacht ein zwischen Bäumen stehendes Mädchen mehr von einer inneren Stimme gerufen zu werden scheint als von irgendwelchen Geräuschen eines Bootes auf dem Meer hinter ihr.
Kompositorisch ist dies eines von zahlreichen Werken im Fries, in denen die geschwungene Horizontale der Küstenlinie mit der Vertikalen von Bäumen, Figuren oder der säulenartigen Reflexion über dem Meer von Sonne oder Mond kontrastiert wird. Das Erblühen der Liebe wird in Der Kuss dargestellt, in dem ein Mann und eine Frau in einer liebevollen und leidenschaftlichen Umarmung gefangen sind, ihre Körper zu einer wellenförmigen Form verschmelzen und ihre Gesichter so vollständig ineinander schmelzen, dass keines von beiden individuelle Züge behält.
Ein äußerst dramatisches Bild der Hingabe oder Transzendenz der Individualität ist Madonna , die eine nackte Frau mit in Ekstase zurückgeworfenem Kopf, geschlossenen Augen und einer roten Halo-ähnlichen Form über ihrem wallenden schwarzen Haar zeigt. Dies kann als Moment der Empfängnis angesehen werden, doch im wunderschönen Gesicht der Frau liegt mehr als ein Hauch von Tod.
In Munch sind Frauen abgebildet’s Kunst als ein “Anderes”, mit dem die Vereinigung sowohl sehnlichst gewünscht als auch gefürchtet wird, weil sie das Überleben des schöpferischen Egos bedroht. Mit Titeln wie Melancholy, Jealousy und Ashes erforschte Munch in anderen Stücken, aus denen der Frieze bestand, die Idee der Trauer, die durch die Liebe hervorgerufen wird. Wenn die Isolation und Einsamkeit, die in seiner Kunst immer vorherrschen, in diesen Fotografien stark akzentuiert werden, werden sie ebenso in Tod im Krankenzimmer , einem seiner vielen Gemälde über den Tod, sichtbar.
Hier liegt die Aufmerksamkeit nicht auf dem sterbenden Kind, das nicht einmal sichtbar ist, sondern auf den Überlebenden, die alle in ihre eigene Trauer gehüllt sind und nicht in der Lage sind, zu sprechen oder einander Trost zu spenden. Die Intensität des Bildes wird durch den klaustrophobisch umschlossenen Raum und die steil anstürmende Perspektive des Bodens gesteigert. Derselbe Stil der dramatischen Perspektive wird in The Scream verwendet, dem berühmtesten Stück von Munch. Inspiriert von einer halluzinatorischen Erfahrung, bei der Munch einen „Schrei durch die Natur fühlte und hörte,
